http://www.youtube.com/results?search_query=el+hombre+que+disecciono+1000+corazones&oq=el+hombre+que+disecciono+1000+corazones&aq=f&aqi=&aql=&gs_l=youtube.3...2920l16429l0l16595l43l43l2l5l5l0l237l3804l0j28j2l30l0.
Esta es la prueba de que no hay creatividad sin investigación
ni hay investigación sin creatividad...
Me lo mostró mi hermano el Veterinario, y un tema que nada tiene que ver con el arte, la cardiología, en este documental se muestra su relación... puesto que es todo corazón. Grande doctor Torrent.
sábado, 24 de marzo de 2012
miércoles, 21 de marzo de 2012
Actividad #2 Metodología
Bloque temático:
EL ARTE COMO MANIFESTACIÓN HUMANA
ARTE Y ARTISTA. ANÁLISIS
CRÍTICO
Para la comprensión de los
distintos tipos de contenidos que se reflejan a continuación describimos
brevemente el desarrollo de las actividades a realizar. El Bloque Temático se
denomina: EL ARTE COMO MANIFESTACIÓN HUMANA. ARTE Y ARTISTA: ANÁLISIS CRÍTICO.
Se busca que los alumnos adquieran unos mínimos conocimientos y la capacidad
suficiente para reflexionar, analizar, apreciar, valorar y criticar las
distintas manifestaciones artísticas dentro de un hilo temporal conductor,
marcada por los distintos contextos en los que se desarrollan las obras y
manifestaciones artísticas. La interacción de la obra con el contexto, su
propósito, su significado. ¿Por qué? ¿Para qué? ¿Con qué? ¿Cómo?
Se planteará dentro de cada una
de las reflexiones sobre las obras y manifestaciones artísticas su apreciación
previa al desarrollo de la actividad en la que realizará un completo estudio de
la obra, el artista, el contexto en el que se desarrolla. De este modo
pretendemos que los alumnos comparen sus conocimientos previos con los
adquiridos en el desarrollo de las actividades.
El resultado del trabajo será un
mural, que no pretende ser un punto y final, que reflejará un hilo temporal de
las diferentes obras estudiadas con anotaciones o acotaciones del contexto
social, cultural, económico…
La actividad se desarrollará en
grupos de 5 alumnos. A cada alumno del grupo le corresponderá un autor y una de
sus obras más significativas correspondiente a cada una de las etapas en las
que dividiremos la secuencia temporal. Cada alumno tendrá que realizar una
investigación sobre el autor, la obra y el contexto, que deberá concretar o
sintetizar en un párrafo (8 o 10 líneas) para cada aspecto (autor, obra,
contexto). Cada uno de estos resúmenes o síntesis irá acompañado de una imagen.
Se formalizarán sobre un soporte rígido (tipo cartón pluma) con elementos
imantados de modo que puedan moverse en el mural.
Tras este trabajo, el alumno
explicará al resto del grupo el estudio realizado. Se analizarán los elementos
comunes y diferenciadores de cada uno de los artistas y sus obras.
Posteriormente, los alumnos de la misma etapa se agruparán para poner en común
las principales características de ese periodo artístico. Los cinco autores,
obras y contextos quedarán reflejados en una presentación digital, para un
posterior montaje de todas las realizaciones. El mural quedará completada con
todos los textos y las imágenes más una zona para la proyección de las
presentaciones.
En este nuevo espacio creativo,
artístico y cultural de desarrollarán debates sobre el concepto de arte y el de
artista, moderados y dirigidos por el profesor-tutor.
Los contenidos son los
siguientes:
martes, 20 de marzo de 2012
Historia Ed. Artística en Occidente
HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN OCCIDENTE:
evolución hasta nuestros días.
Las ideas de método y dibujo en la escuela occidental han evolucionado históricamente, comprender dichos cambios nos posiciona en la actualidad para abordar la Educación Artística.
Lo que anteriormente fue mímesis, otras generaciones o culturas depuran la forma dotando de otro significado y valor, en ocasiones tamizado por la cultura del momento y lugar.
Analizando un recorrido de Historia del arte occidental europea tendríamos en la antigüedad a Sócrates y Aristóteles con la búsqueda de la belleza, cánones de perfección y mímesis.
En la Edad Media tendríamos los gremios, el anonimato del autor de la obra artesana más que artística, y el maestro y el aprendiz. Cenino Ceninni es un autor en esta época de tratados de proceso de la obra, no de la obra en sí. Posteriormente tendríamos el Renacimiento, con Vasari en Florencia, estableciendo lo que sería la Academia, sala telas, de yesos, modelos de natural, se vuelve a lo clásico, con la enseñanza del dibujo como epicentro de la enseñanza., estará hasta el XIX se difunde a Paris, Sevilla…
Durante la Primera mitad del S XIX comienzan a formar a los profesores de dibujo y a incluir el dibujo en el Curriculum. Debido a la industrialización, nacionalismo, neoclasicismo, romanticismo, ideales políticos de la ilustración, la revolución francesa, guerra de la independencia, se hace necesario leer y escribir, y para el desarrollo tecnológico y fabricación, el dibujo tanto geométrico como el artístico.
Durante la segunda mitad del S XIX marcado por obras de pedagogo aparecen cartillas escolares y manuales Pestalozzi publica el ABC de la intuición…considerado el primer manual de la educación, se trabajaba la palabra la mímesis, y el dibujo. Se trabaja el refinamiento de la percepción visual.
Friederich Froebel presenta un material didáctico como Regalos, con ellos se aprenden texturas, colores, composiciones, volumetría, etc. Primera mitad del XX se empiezan a tener en cuenta los dibujos infantiles como el dibujo de la intuición, genuinos, y no un error de ejecución. Ello viene propiciado por teorías psicología evolutiva, teorías educativas infantiles, innovación en la obra de arte, el expresionismo, el simbolismo… Barroco. Renacimiento, romanticismo, simbolismo… se intenta romper con todo lo suscitado por la vieja Europa, con los viajes trasatlánticos se comienza a apreciar el arte de otros paises exóticos, máscaras africanas, estampas japonesas, colorido de islas… lo primigenio, el dibujo infantil.Cizec trata de abrir escuela basada en arte y psicopedagogía, escuela de Arte en Viena. Segunda mitad del S XX: El crítico Herbert Read y el profesor y Arte-terapeuta Viktor Lowenfeld retoman a Cizec evolucionando en lo conocido como Autoexpresión creativa , donde lo decisivo no es el resultado creativo, sino el proceso puesto que es un método para el conocimiento.
El dibujo libre y espontáneo se convirtió en ejercicio principal de la actividad creativa. Sería no homogeneizante, sino adaptado a la edad, desarrollo y propia personalidad. Como diría el propio autor “probablemente la mejor preparación para crear sea la creación misma”.
Se defendía por primera vez la propia actividad creativa como objetivo principal de aprendizaje escolar.
La consolidación institucional INSEA.
Paralelamente a lo anterior se dan dos acontecimientos cruciales, en 1950 para la Educación Artística.
La UNESCO en 1951 organismo para organización de la educación. Se redacta la carta magna de la enseñanza. Se crea la International Society for Education through Art. Donde participaron entre otros, Piaget, Matisse Herbert Read, Viktor Lowenfeld.
En 1955 en Ginebra Suiza, se fundamenta la carta magna en tres argumentos y dos recomendaciones respectivamente:
1- los conocimientos artísticos sirven para el conocimiento mismo o para ser aplicado en la destreza de una profesión.
Analizando un recorrido de Historia del arte occidental europea tendríamos en la antigüedad a Sócrates y Aristóteles con la búsqueda de la belleza, cánones de perfección y mímesis.
En la Edad Media tendríamos los gremios, el anonimato del autor de la obra artesana más que artística, y el maestro y el aprendiz. Cenino Ceninni es un autor en esta época de tratados de proceso de la obra, no de la obra en sí. Posteriormente tendríamos el Renacimiento, con Vasari en Florencia, estableciendo lo que sería la Academia, sala telas, de yesos, modelos de natural, se vuelve a lo clásico, con la enseñanza del dibujo como epicentro de la enseñanza., estará hasta el XIX se difunde a Paris, Sevilla…
Durante la Primera mitad del S XIX comienzan a formar a los profesores de dibujo y a incluir el dibujo en el Curriculum. Debido a la industrialización, nacionalismo, neoclasicismo, romanticismo, ideales políticos de la ilustración, la revolución francesa, guerra de la independencia, se hace necesario leer y escribir, y para el desarrollo tecnológico y fabricación, el dibujo tanto geométrico como el artístico.
Durante la segunda mitad del S XIX marcado por obras de pedagogo aparecen cartillas escolares y manuales Pestalozzi publica el ABC de la intuición…considerado el primer manual de la educación, se trabajaba la palabra la mímesis, y el dibujo. Se trabaja el refinamiento de la percepción visual.
Friederich Froebel presenta un material didáctico como Regalos, con ellos se aprenden texturas, colores, composiciones, volumetría, etc. Primera mitad del XX se empiezan a tener en cuenta los dibujos infantiles como el dibujo de la intuición, genuinos, y no un error de ejecución. Ello viene propiciado por teorías psicología evolutiva, teorías educativas infantiles, innovación en la obra de arte, el expresionismo, el simbolismo… Barroco. Renacimiento, romanticismo, simbolismo… se intenta romper con todo lo suscitado por la vieja Europa, con los viajes trasatlánticos se comienza a apreciar el arte de otros paises exóticos, máscaras africanas, estampas japonesas, colorido de islas… lo primigenio, el dibujo infantil.Cizec trata de abrir escuela basada en arte y psicopedagogía, escuela de Arte en Viena. Segunda mitad del S XX: El crítico Herbert Read y el profesor y Arte-terapeuta Viktor Lowenfeld retoman a Cizec evolucionando en lo conocido como Autoexpresión creativa , donde lo decisivo no es el resultado creativo, sino el proceso puesto que es un método para el conocimiento.
El dibujo libre y espontáneo se convirtió en ejercicio principal de la actividad creativa. Sería no homogeneizante, sino adaptado a la edad, desarrollo y propia personalidad. Como diría el propio autor “probablemente la mejor preparación para crear sea la creación misma”.
Se defendía por primera vez la propia actividad creativa como objetivo principal de aprendizaje escolar.
La consolidación institucional INSEA.
Paralelamente a lo anterior se dan dos acontecimientos cruciales, en 1950 para la Educación Artística.
La UNESCO en 1951 organismo para organización de la educación. Se redacta la carta magna de la enseñanza. Se crea la International Society for Education through Art. Donde participaron entre otros, Piaget, Matisse Herbert Read, Viktor Lowenfeld.
En 1955 en Ginebra Suiza, se fundamenta la carta magna en tres argumentos y dos recomendaciones respectivamente:
1- los conocimientos artísticos sirven para el conocimiento mismo o para ser aplicado en la destreza de una profesión.
2- Las artes ayudan a entender el mundo por ser una herramienta poderosa para el conocimiento de la realidad y para desarrollo de la personalidad.
3- Fomentar la educación visual orientada para aumentar la inteligencia, se habla de la inteligencia visual, en nuestros tiempos.
Y recomendaciones:
El dibujo, pintura y modelado deben figurar en el currículum.
Y estimular al alumno a que encuentre su propia forma de expresión, recurriendo a cualquier expresión plástica.
En la segunda mitad del S.XX, dos de las corrientes más importantes en la enseñanza artística, son la Autoexpresión creativa y los métodos planteados por la DBAE. Consistente, la primera en Autoexpresión creativa: el niño partía de sí mismo, se auto-expresaba, sin referentes alguno, salvo su propia experiencia, para evitar que fuese influenciado. Se potencia la sensibilidad, la capacidad creativa, etc. Se buscaba que el niño se desarrollase a través del arte. La segunda, DBAE, desarrollar habilidades y conocimientos para comprender y apreciar el arte. Pare ello, elaboran una estructura compleja, la cual consta de: estética, crítica del arte, historia del arte; y la práctica artística mediante el dibujo, pintura, escultura, cerámica, arquitectura, etc.
A pesar de que en occidente a lo largo de la historia se ha racionalizado la enseñanza artística, ya en el S XVIII el filósofo e historiador alemán Friederich Schiller habla del impulso sensible y el formal, entendiéndose como lo intuitivo y lo racional respectivamente, y de alguna manera consideramos que tiene relación con el concepto del ying –yang.
Filósofos como Hegel afirmaban: " el hombre formado es aquel que sabe imprimir a todo su obrar el sello de la universalidad, el que ha renunciado a su particularidad, el que actúa conforme a principios universales" (5) O como Abrahan Maslow quien nos habla del Isomorfismo del hombre y su entorno, la forma en que el hombre aprende de la naturaleza. Mantiene que la comunicación entre la persona y el mundo depende en gran medida de su isomorfismo, que en el mundo solo puede comunicar a esa persona lo que esa persona merece, lo que sea capaz de captar. Definido por Emerson "What we are, only can we see" Emerson, R.W Nature cap VIII.
3- Fomentar la educación visual orientada para aumentar la inteligencia, se habla de la inteligencia visual, en nuestros tiempos.
Y recomendaciones:
El dibujo, pintura y modelado deben figurar en el currículum.
Y estimular al alumno a que encuentre su propia forma de expresión, recurriendo a cualquier expresión plástica.
En la segunda mitad del S.XX, dos de las corrientes más importantes en la enseñanza artística, son la Autoexpresión creativa y los métodos planteados por la DBAE. Consistente, la primera en Autoexpresión creativa: el niño partía de sí mismo, se auto-expresaba, sin referentes alguno, salvo su propia experiencia, para evitar que fuese influenciado. Se potencia la sensibilidad, la capacidad creativa, etc. Se buscaba que el niño se desarrollase a través del arte. La segunda, DBAE, desarrollar habilidades y conocimientos para comprender y apreciar el arte. Pare ello, elaboran una estructura compleja, la cual consta de: estética, crítica del arte, historia del arte; y la práctica artística mediante el dibujo, pintura, escultura, cerámica, arquitectura, etc.
A pesar de que en occidente a lo largo de la historia se ha racionalizado la enseñanza artística, ya en el S XVIII el filósofo e historiador alemán Friederich Schiller habla del impulso sensible y el formal, entendiéndose como lo intuitivo y lo racional respectivamente, y de alguna manera consideramos que tiene relación con el concepto del ying –yang.
Filósofos como Hegel afirmaban: " el hombre formado es aquel que sabe imprimir a todo su obrar el sello de la universalidad, el que ha renunciado a su particularidad, el que actúa conforme a principios universales" (5) O como Abrahan Maslow quien nos habla del Isomorfismo del hombre y su entorno, la forma en que el hombre aprende de la naturaleza. Mantiene que la comunicación entre la persona y el mundo depende en gran medida de su isomorfismo, que en el mundo solo puede comunicar a esa persona lo que esa persona merece, lo que sea capaz de captar. Definido por Emerson "What we are, only can we see" Emerson, R.W Nature cap VIII.
lunes, 19 de marzo de 2012
+ Arte, + Historia, + Educación
HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN CHINA:
Otras formas de entender el arte y su enseñanza.
Para poder comparar coetáneamente las manifestaciones y educación artística occidentales con las orientales, documentaremos al lector sobre la pintura antigua taoísta y sus métodos.
En primer lugar, habría que destacar, que la pintura en China fue considerada un arte antes que en el mundo occidental, donde sucedió siglos más tarde.
No hay evidencias claras de pinturas de paisajistas anterior a la dinastía de Qin de Shi Huang Di (s. II a.C.), aunque sí las hay respecto a la pintura caligráfica, caligrafía y pintura eran consideradas un sólo lenguaje, el cuál era aprendido por los chinos de la época como modo de comunicación. Desde la dinastía Qin, la pintura y la caligrafía china se dividieron en dos formas independientes. Los aprendices se instruían en la pintura para diseñar edificios, herramientas, entre otros. La mayoría ellos eran artesanos. Otros aprendieron caligrafía de un maestro que se encargaba de enseñarles a leer y a escribir. Éstos últimos estaban educados para desempeñar una labor de funcionario, como perpetuador del sistema del país. Si bien, se han encontrado intentos de fondos paisajísticos en distintas representaciones costumbristas o con personajes.
Es a partir de la dinastía Han (siglos II a.C.-II d.C.) donde encontramos indicios de esta intencionalidad paisajística, en la que se plasma el pensamiento taoísta. Esta pintura, ha seguido una evolución que va desde un tradicionalismo marcado por el realismo, hacia una concepción más “espiritual”.
Entendiendo este concepto, no como la pintura religiosa (que la había, como por ejemplo la budista) sino una pintura que tiende de por sí a convertirse en espiritual, esencialmente inspirada en el taoísmo. Más tarde es enriquecida con el surgimiento de la filosofía Budista Chan. Planteado este contexto, tenemos una pintura que domina el vacío, que según los indicios encontrados, surgió
durante la dinastía de los Tang (siglos VII-IX d.C.) y que llegará a su apogeo durante los Song y los Yuan (siglos X-XV).
En las ya citadas dinastías Han y Song, se formaron las primeras escuelas públicas de arte oficiales. Tras graduarse, los alumnos trabajaban para la academia. Era común que la gente más culta aprendiese caligrafía, pintura, poesía, filosofía, religión, etc.
La importancia del vacío como generador de formas y conceptos, imperó mucho antes de los Tang, ya en la época de las Seis Dinastías (siglos IV a.C.- VI d.C.), donde nació el pensamiento crítico sobre este arte. Desde entonces, sigue siendo el tema primordial del pensamiento estético chino.
En las dinastías Yuan (1.280-1368 d.C.) y Ming (1368-1.644 d.C.), las familias reales tenían sus propias organizaciones de producción y educación artística.
Durante la dinastía Qin, (1.644-1911), algunos artistas chinos volvían del mundo occidental tras el aprendizaje de las corrientes artísticas del momento.
Importaron las ideas y los métodos occidentales. Establecieron escuelas públicas de pintura. Y fue cuando comenzó la educación en el arte moderno.
La importancia e influencia del a filosofía Taoísta en la pintura, y en general en el mundo artístico chino, es absoluta. Prácticamente es como considerar que este arte hubiese surgido desde este pensamiento. La cosmología taoísta juega un papel importante, en la medida en que la pintura
no busca ser un objeto estético, sino que tiende a convertirse en un microcosmos que nutre y crea, de la misma manera que el macrocosmos, un espacio abierto para un surgir de formas que fluyen al igual que en la naturaleza. Como por ejemplo Wang Wei (s.V d.C.); en su obra escrita Xu Hua
(“Disertación sobre la pintura”), dice que con un pequeño pincel vuelve a crear el cuerpo inmenso del vacío. Zhong Bing (s.IV-V d.C.), en lo que los expertos dicen que es el primer ensayo de pintura paisajista, Shanshui Xu (“Prefacio a la pintura de paisaje”) quien comenta que una vez establecido el contacto espiritual, las formas esenciales serán realizadas; que el espíritu del universo podrá ser percibido, cuestionando si la pintura no sería tan verdadera como la naturaleza misma.
Este tipo de pintura no es más que la diligencia de prácticas taoístas llevadas al medio artístico. Convirtiéndose así en una práctica más de esta filosofía.
El pintor taoísta debe de ser empático, capaz de transmitir al espectador ciertas sensaciones. Racionero, en su obra “Textos de Estética Taoista”, nos ofrece su perspectiva sobre la visión del artista taoísta;
(1) Racionero, Luis(2002): “Textos de Estética Taoista”, ed. ALIANZA EDITORIAL, Madrid“En los grandes maestros chinos se ve cómo estas hombres pretendían dar expresión al sentido místico inefable de la integración con lo percibido. El gozo que se siente al experimentar intuitivamente la armonía intrínseca de la naturaleza y su armonía con el cuerpo-espíritu humano. Los paisajistas chinos taoístas expertos en el arte de la meditación y la contemplación, sabiosalquimistas capaces de abrirse totalmente a las percepciones para recibirlas puras. Cuando la percepción no tiene mezcla de pensamientos ni expectativas es cuando puede realizar en el cuerpo la danza suprema: la transformación de emoción en forma, que es la alquimia del arte.”(1)
Mencionando nuevamente a Racionero, nos da su punto de vista de qué es el taoísmo;
“El taoísmo es un pensamiento y un modo de hacer que pretenden reflejar y seguir el modo de ser de la Naturaleza. Simplificando podría decirse que el taoísmo es la filosofía de la naturalidad y la espontaneidad puras en acción.
[…]En los taoístas, entre estímulo y acto hay una respuesta inmediata, espontánea, sin conocimiento, con pleno abandono a la reacción más natural, pero habiendo trabajado el estado de ánimo hasta ponerlo en resonancia con la serenidad y aceptación del Tao.”(2)
(2) Racionero, Luis(2002): Op. Cit.
Para que los sentimientos fluyan de la obra hacia el espectador, es indispensable que el artista sea auténtico y sentir dentro de sí mismo, con respeto, lo que está realizando.
El espectador juega un papel importante, puesto que forma parte del círculo de la expresión del artista, ya que será el receptor de lo que el artista quiere expresar. Esta recepción no es meramente pasiva, sino que el espectador ha de poner de su parte para que el flujo de energías sea constante
y libre. En este tipo de pintura, el espacio no deja de ser igualmente importante, por diversos motivos, uno de ellos, invita a que el espectador cree con la mente, que sea partícipe, dado que a menudo los elementos representados están inconclusos. Estos vacíos suelen ser representados por
nubes, nieblas, etc.
El pintor debía de ser capaz de pintar el paisaje desde el interior. A menudo los occidentales criticaban las obras chinas, tachándolas de creaciones de “locos”, debido a que cada elemento era representado según su espíritu, como por ejemplo, si un árbol estaba solitario en la montaña, sus trazos serían más acusados, etc. Sin embargo, los chinos criticaban las obras occidentales
tachándolas de ser demasiado superficiales, decían que las creaciones nuestras no estaban hechas desde el interior, sino del exterior, preocupándonos sólo del aspecto.
Shen Zongquian
"El universo está lleno de alientos vitales y la pintura se plasma mediante el pincel-tinta se armonizan para fundirse con el universo. Surge entonces una via coherente a través del desorden de los fenómenos. Es preciso por ende, que la idea de todas las cosas ya esté acabada en el corazon del artista, para que en la ejecución del cuadro que realiza espontaneamente, lo diluido-concentrado ,(3) Gómez Molina, Juan José, (2012) “las lecciones del Dibujo” ed. Cátedra.
lo claro-oscuro, lo suave-fuerte, lo virtual -manifestado, esté habitado por la corriente vital que habíta el universo. Este es el precio de la realidad superior del cuadro"(3).
Shiao "el hombre puede restituir en miniatura una entidad mayorsin perder nada de ella, a partir del momento en que el espíritu se forme una clara visión de ella, el pincel irá hasta las raíces de las cosas" (4)
(4) Gómez Molina, Juan José. (1995)Op Cit .
El “misticismo” que deriva de dicha filosofía y en consecuencia en este tipo de pintura, es fundamentalmente empírico y realista.
Este arte es animista, cree en la presencia de una energía que todos y todo lo existente tiene, el Qi, energía o espíritu.
El artista ha de ser capaz de pintar desde el interior, captar y plasmar el Qi del paisaje o lo que vaya a pintar y plasmarlo.
En nuestra opinión, estos conceptos filosóficos deberían de asimilarse en el mundo de la Enseñanza/Aprendizaje y creación artística , dado que propicia un Aprendizaje/Ejecución, más efectivo y veraz. Repercutiendo así inevitablemente en la motivación del alumno y del practicante, que como sabemos es uno de los grandes problemas en la enseñanza, y fomentando el pensamiento profundo y critico.
PINTURAS DE MAESTROS TAOÍSTAS TRADICIONALES
1.bmp)
 |
| Wen Tong |
 |
| Shitao |
 |
| Ni Zan |
 |
| Gu-Kaizhi |
BIBLIOGRAFÍA
- González Linaje, Mª Teresa. Pintura de Paisaje: del Taoísmo Chino al Romanticismo Europeo: Paralelismos plásticos y estéticos, tesis doctoral para Bellas Artes. Tesis doctoral inédita. Universidad Complutense de Madrid. Madrid. 2005
- Racionero, Luis (2002): “Textos de estética taoísta”, ed. ALIANZA EDITORIAL, Madrid
- Cheng, François (2005): “Vacío y plenitud”, ed. SIRUELA, Madrid
- Lao,Tse (1999): “El Tao Te King”, ed. EDICOMUNICACIÓN S.A., Barcelona
- Gómez Molina, (1995) Juan José “ las lecciones del Dibujo” Ed. Cátedra.
- Schiller, Friederich, ” (2004) “Escritos Breves sobre estética” Ed. Doble J, S.L.U
- Marin, R. y otros (2003): Didáctica de la educación artística Madrid: Pearson/Prentice Hal.
DINASTÍAS
3.000 –1.766 a.C. Dinastía Xiá (Civillizaciones de Yangshao y Longshan)
1.766 –1.122 a.C. Dinastía Shang
1.122 – 221 a.C. Dinastía Zhou
771 Estados Independientes
siglos. VI-V Anales de Primavera y Otoño
siglo IV Reinos Combatientes
221 – 206 a.C. Imperio Qin (Shi Huang Di, el primer gran emperador que
unificó China)
206 a.C. – 220 d.C. Imperio Han
206 – 25 d.C. Han del Oeste
25 –220 d.C. Han del Este
Siglos III-VI d.C. Dieciséis Estados y Cinco Especies de Bárbaros
siglo III d.C. Tres Reinos
siglos IV-VI d.C. Seis Dinastías (Wei del Norte)
581 – 617 d.C. Dinastía Sui
618 – 907 d.C. Dinastía Tang
907 – 960 d.C. Cinco Dinastías
960 – 1.279 d.C. Dinastía Song
960 – 1.127 d.C. Song del Norte (y Dinastía Liao: 916 – 1119)
1.127 – 1.279 d.C. Song del Sur (y Dinastía Jin: 1115 – 1234)
1.280 – 1.368 d.C. Dinastía Yuan
1.368 – 1.644 d.C. Dinastía Ming
1.644 – 1.911 d.C. Dinastía Qing
1.912-1949 d.C. China Republicana
01-10-1.949 d.C. China Comunista
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