HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN OCCIDENTE:
evolución hasta nuestros días.
Las ideas de método y dibujo en la escuela occidental han evolucionado históricamente, comprender dichos cambios nos posiciona en la actualidad para abordar la Educación Artística.
Lo que anteriormente fue mímesis, otras generaciones o culturas depuran la forma dotando de otro significado y valor, en ocasiones tamizado por la cultura del momento y lugar.
Analizando un recorrido de Historia del arte occidental europea tendríamos en la antigüedad a Sócrates y Aristóteles con la búsqueda de la belleza, cánones de perfección y mímesis.
En la Edad Media tendríamos los gremios, el anonimato del autor de la obra artesana más que artística, y el maestro y el aprendiz. Cenino Ceninni es un autor en esta época de tratados de proceso de la obra, no de la obra en sí. Posteriormente tendríamos el Renacimiento, con Vasari en Florencia, estableciendo lo que sería la Academia, sala telas, de yesos, modelos de natural, se vuelve a lo clásico, con la enseñanza del dibujo como epicentro de la enseñanza., estará hasta el XIX se difunde a Paris, Sevilla…
Durante la Primera mitad del S XIX comienzan a formar a los profesores de dibujo y a incluir el dibujo en el Curriculum. Debido a la industrialización, nacionalismo, neoclasicismo, romanticismo, ideales políticos de la ilustración, la revolución francesa, guerra de la independencia, se hace necesario leer y escribir, y para el desarrollo tecnológico y fabricación, el dibujo tanto geométrico como el artístico.
Durante la segunda mitad del S XIX marcado por obras de pedagogo aparecen cartillas escolares y manuales Pestalozzi publica el ABC de la intuición…considerado el primer manual de la educación, se trabajaba la palabra la mímesis, y el dibujo. Se trabaja el refinamiento de la percepción visual.
Friederich Froebel presenta un material didáctico como Regalos, con ellos se aprenden texturas, colores, composiciones, volumetría, etc. Primera mitad del XX se empiezan a tener en cuenta los dibujos infantiles como el dibujo de la intuición, genuinos, y no un error de ejecución. Ello viene propiciado por teorías psicología evolutiva, teorías educativas infantiles, innovación en la obra de arte, el expresionismo, el simbolismo… Barroco. Renacimiento, romanticismo, simbolismo… se intenta romper con todo lo suscitado por la vieja Europa, con los viajes trasatlánticos se comienza a apreciar el arte de otros paises exóticos, máscaras africanas, estampas japonesas, colorido de islas… lo primigenio, el dibujo infantil.Cizec trata de abrir escuela basada en arte y psicopedagogía, escuela de Arte en Viena. Segunda mitad del S XX: El crítico Herbert Read y el profesor y Arte-terapeuta Viktor Lowenfeld retoman a Cizec evolucionando en lo conocido como Autoexpresión creativa , donde lo decisivo no es el resultado creativo, sino el proceso puesto que es un método para el conocimiento.
El dibujo libre y espontáneo se convirtió en ejercicio principal de la actividad creativa. Sería no homogeneizante, sino adaptado a la edad, desarrollo y propia personalidad. Como diría el propio autor “probablemente la mejor preparación para crear sea la creación misma”.
Se defendía por primera vez la propia actividad creativa como objetivo principal de aprendizaje escolar.
La consolidación institucional INSEA.
Paralelamente a lo anterior se dan dos acontecimientos cruciales, en 1950 para la Educación Artística.
La UNESCO en 1951 organismo para organización de la educación. Se redacta la carta magna de la enseñanza. Se crea la International Society for Education through Art. Donde participaron entre otros, Piaget, Matisse Herbert Read, Viktor Lowenfeld.
En 1955 en Ginebra Suiza, se fundamenta la carta magna en tres argumentos y dos recomendaciones respectivamente:
1- los conocimientos artísticos sirven para el conocimiento mismo o para ser aplicado en la destreza de una profesión.
Analizando un recorrido de Historia del arte occidental europea tendríamos en la antigüedad a Sócrates y Aristóteles con la búsqueda de la belleza, cánones de perfección y mímesis.
En la Edad Media tendríamos los gremios, el anonimato del autor de la obra artesana más que artística, y el maestro y el aprendiz. Cenino Ceninni es un autor en esta época de tratados de proceso de la obra, no de la obra en sí. Posteriormente tendríamos el Renacimiento, con Vasari en Florencia, estableciendo lo que sería la Academia, sala telas, de yesos, modelos de natural, se vuelve a lo clásico, con la enseñanza del dibujo como epicentro de la enseñanza., estará hasta el XIX se difunde a Paris, Sevilla…
Durante la Primera mitad del S XIX comienzan a formar a los profesores de dibujo y a incluir el dibujo en el Curriculum. Debido a la industrialización, nacionalismo, neoclasicismo, romanticismo, ideales políticos de la ilustración, la revolución francesa, guerra de la independencia, se hace necesario leer y escribir, y para el desarrollo tecnológico y fabricación, el dibujo tanto geométrico como el artístico.
Durante la segunda mitad del S XIX marcado por obras de pedagogo aparecen cartillas escolares y manuales Pestalozzi publica el ABC de la intuición…considerado el primer manual de la educación, se trabajaba la palabra la mímesis, y el dibujo. Se trabaja el refinamiento de la percepción visual.
Friederich Froebel presenta un material didáctico como Regalos, con ellos se aprenden texturas, colores, composiciones, volumetría, etc. Primera mitad del XX se empiezan a tener en cuenta los dibujos infantiles como el dibujo de la intuición, genuinos, y no un error de ejecución. Ello viene propiciado por teorías psicología evolutiva, teorías educativas infantiles, innovación en la obra de arte, el expresionismo, el simbolismo… Barroco. Renacimiento, romanticismo, simbolismo… se intenta romper con todo lo suscitado por la vieja Europa, con los viajes trasatlánticos se comienza a apreciar el arte de otros paises exóticos, máscaras africanas, estampas japonesas, colorido de islas… lo primigenio, el dibujo infantil.Cizec trata de abrir escuela basada en arte y psicopedagogía, escuela de Arte en Viena. Segunda mitad del S XX: El crítico Herbert Read y el profesor y Arte-terapeuta Viktor Lowenfeld retoman a Cizec evolucionando en lo conocido como Autoexpresión creativa , donde lo decisivo no es el resultado creativo, sino el proceso puesto que es un método para el conocimiento.
El dibujo libre y espontáneo se convirtió en ejercicio principal de la actividad creativa. Sería no homogeneizante, sino adaptado a la edad, desarrollo y propia personalidad. Como diría el propio autor “probablemente la mejor preparación para crear sea la creación misma”.
Se defendía por primera vez la propia actividad creativa como objetivo principal de aprendizaje escolar.
La consolidación institucional INSEA.
Paralelamente a lo anterior se dan dos acontecimientos cruciales, en 1950 para la Educación Artística.
La UNESCO en 1951 organismo para organización de la educación. Se redacta la carta magna de la enseñanza. Se crea la International Society for Education through Art. Donde participaron entre otros, Piaget, Matisse Herbert Read, Viktor Lowenfeld.
En 1955 en Ginebra Suiza, se fundamenta la carta magna en tres argumentos y dos recomendaciones respectivamente:
1- los conocimientos artísticos sirven para el conocimiento mismo o para ser aplicado en la destreza de una profesión.
2- Las artes ayudan a entender el mundo por ser una herramienta poderosa para el conocimiento de la realidad y para desarrollo de la personalidad.
3- Fomentar la educación visual orientada para aumentar la inteligencia, se habla de la inteligencia visual, en nuestros tiempos.
Y recomendaciones:
El dibujo, pintura y modelado deben figurar en el currículum.
Y estimular al alumno a que encuentre su propia forma de expresión, recurriendo a cualquier expresión plástica.
En la segunda mitad del S.XX, dos de las corrientes más importantes en la enseñanza artística, son la Autoexpresión creativa y los métodos planteados por la DBAE. Consistente, la primera en Autoexpresión creativa: el niño partía de sí mismo, se auto-expresaba, sin referentes alguno, salvo su propia experiencia, para evitar que fuese influenciado. Se potencia la sensibilidad, la capacidad creativa, etc. Se buscaba que el niño se desarrollase a través del arte. La segunda, DBAE, desarrollar habilidades y conocimientos para comprender y apreciar el arte. Pare ello, elaboran una estructura compleja, la cual consta de: estética, crítica del arte, historia del arte; y la práctica artística mediante el dibujo, pintura, escultura, cerámica, arquitectura, etc.
A pesar de que en occidente a lo largo de la historia se ha racionalizado la enseñanza artística, ya en el S XVIII el filósofo e historiador alemán Friederich Schiller habla del impulso sensible y el formal, entendiéndose como lo intuitivo y lo racional respectivamente, y de alguna manera consideramos que tiene relación con el concepto del ying –yang.
Filósofos como Hegel afirmaban: " el hombre formado es aquel que sabe imprimir a todo su obrar el sello de la universalidad, el que ha renunciado a su particularidad, el que actúa conforme a principios universales" (5) O como Abrahan Maslow quien nos habla del Isomorfismo del hombre y su entorno, la forma en que el hombre aprende de la naturaleza. Mantiene que la comunicación entre la persona y el mundo depende en gran medida de su isomorfismo, que en el mundo solo puede comunicar a esa persona lo que esa persona merece, lo que sea capaz de captar. Definido por Emerson "What we are, only can we see" Emerson, R.W Nature cap VIII.
3- Fomentar la educación visual orientada para aumentar la inteligencia, se habla de la inteligencia visual, en nuestros tiempos.
Y recomendaciones:
El dibujo, pintura y modelado deben figurar en el currículum.
Y estimular al alumno a que encuentre su propia forma de expresión, recurriendo a cualquier expresión plástica.
En la segunda mitad del S.XX, dos de las corrientes más importantes en la enseñanza artística, son la Autoexpresión creativa y los métodos planteados por la DBAE. Consistente, la primera en Autoexpresión creativa: el niño partía de sí mismo, se auto-expresaba, sin referentes alguno, salvo su propia experiencia, para evitar que fuese influenciado. Se potencia la sensibilidad, la capacidad creativa, etc. Se buscaba que el niño se desarrollase a través del arte. La segunda, DBAE, desarrollar habilidades y conocimientos para comprender y apreciar el arte. Pare ello, elaboran una estructura compleja, la cual consta de: estética, crítica del arte, historia del arte; y la práctica artística mediante el dibujo, pintura, escultura, cerámica, arquitectura, etc.
A pesar de que en occidente a lo largo de la historia se ha racionalizado la enseñanza artística, ya en el S XVIII el filósofo e historiador alemán Friederich Schiller habla del impulso sensible y el formal, entendiéndose como lo intuitivo y lo racional respectivamente, y de alguna manera consideramos que tiene relación con el concepto del ying –yang.
Filósofos como Hegel afirmaban: " el hombre formado es aquel que sabe imprimir a todo su obrar el sello de la universalidad, el que ha renunciado a su particularidad, el que actúa conforme a principios universales" (5) O como Abrahan Maslow quien nos habla del Isomorfismo del hombre y su entorno, la forma en que el hombre aprende de la naturaleza. Mantiene que la comunicación entre la persona y el mundo depende en gran medida de su isomorfismo, que en el mundo solo puede comunicar a esa persona lo que esa persona merece, lo que sea capaz de captar. Definido por Emerson "What we are, only can we see" Emerson, R.W Nature cap VIII.
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